这种深深的不确定和不可预估性也是后现代主义电影的特点之一。整部影片采用手提式摄影机和自然光拍摄，仿佛是对都市人生的随机采写。人物的无根感、无所得的落寞和人与人之间毫无交点的平面式慰藉，让人深刻体会到都市人的孤寂。影片中的一个景深镜头惹人深思。隔着玻璃门，663与店老板说话，阿菲在擦映着663的那块玻璃——玻璃实际是一个符号，隐喻了隔阂、阻碍。尽管有接触的渴望，却隔了一道透明的、冰冷的玻璃。正如一句出现了两次的台词：“我和她最接近的时候，距离只有0.01公分。”这“0.01公分”的距离并非人物的空间距离，而是人物无限接近但注定擦肩而过的命运的距离。也是后现代人群所固守的，不能真正与他人结合的距离。
四、音乐——展现人物性格的符号
奏的现代都市特征。《加州梦》代替阿菲表达了她内心的爱意，将故事的情调生动地展现出来，成为不可或缺的语言符号。
电影音乐在最初塑造人物形象时，主要通过音乐给人带来的听觉感受来展现人物在片中的性格特征。
《加州梦》的最早版本，来自1969年“妈妈和爸爸”（MamasandPapas）合唱团的歌曲。这首充满加州风情的歌曲，带着浓重的爵士舞曲气息，同时又夹杂着提琴、小号和吉他等充满现代气息的乐器，动感而急促，热情而奔放，恰恰符合了影片背景地香港，这个繁华而又混杂，生活快节奏的现代都市特征。《加州梦》是电影《重庆森林》中一首典型的主题音乐。在影片中一共出现了七次，并贯穿了王菲和警察663（梁朝伟）的整个爱情故事之中。《加州梦》奏，摇晃着头，扭动着身子，沉浸在自己的世界中。王菲的正式出场，就在《加州梦》的喧闹声中，让观众真真切切地感受到一个梦幻中的阿菲形象。而就在这时，她与男主人公警察663（梁朝伟）第一次相遇。
随着剧情的发展和情节的推动，电影音乐在片中与情节画面、人物语言不断有机结合，将人物的形象更加鲜明灵活地展现出来。
在影片中，《加州梦》代表的是阿菲的梦想。阿菲与警察663的相遇、相识，到最后爱上663。阿菲告诉663，她的梦想不是读书，是存钱去加州玩。她喜欢到处旅游，走走看看。当阿菲不由自主随节奏而动时，《加州梦》正是用其旋律在诉说着阿菲心中的“梦”。而该故事高潮部分是阿菲为了爱情而“梦游”。在这个情节中，音乐《加州梦》也将其作用发挥得淋漓尽致。阿菲爱上663后，羞于表露爱意，而以自己的方式来表达她的爱。她用663前女友留下的钥匙，偷偷探访663的家。她每天帮663整理房间，洗衣叠被，刷碗擦地。然后再假装什么事都没发生过一样，回到小吃店中。阿菲自称其行为是“梦游”。这个情节没有对白，观众只听到《加州梦》，只看到阿菲在愉快地做着各种家务，显得天真而又顽皮。就是在这种极其普通的画面中，阿菲的动作随着音乐的节奏慢慢进行，此时《加州梦》仿佛在代替阿菲表达她内心的爱意，用旋律和节奏将故事的情调生动地展现出来。一个狭小的空间，节奏感的旋律，阿菲内心抑制不住的兴奋感，摆动的身躯。片中，所有画面元素看似平凡，实际上，阿菲的形象已慢慢深入人心，她的情绪也逐渐感染了观众。
在电影中，主题音乐往往比主题曲的作用更加重要。主题音乐贯穿电影的全过程，它需要为剧情服务，特别是为片中人物的形象塑造和情感表达而服务。从王菲的正式出场，《加州梦》就宣告了它的存在，让观众无法忽视它，从而使音乐与剧情和人物保持着密切的联系。随着时间的推移和剧情的发展，《加州梦》将阿菲的形象诠释得更加饱满。导演王家卫通过对《加州梦》音乐形象的正确判断，对片中人物所处的环境、思想感情和兴趣爱好等的全面认识，让《加州梦》成功地塑造出与音乐形象相符合的阿菲形象。
影片中，663与阿菲在柜台边坐着，而前景处是人群在快速地来来往往——动静结合的创造性使用将“孤独”表达得蓦然充满诗意。
孤独、追寻和拒绝构成了王家卫的电影语言，无论哪个故事，都透露出零散状态下的平面式慰藉。故事的发生地香港特有的文化与现实造就了王家卫独特的电影表现手法，也成了影片的漂泊感、无归属感的来源。无论是影片抑或观影人，都渴求在后现代社会中寻求情感表达的出口。如何寻找到正确的出口，也是影片留给我们的深思。
代表影片之二——《性，谎言和录像带》的符号意指系统
英文名：Sex，LiesandVideotape
导演：史蒂文·索德伯格
出品时间：1989年
剧情介绍：格雷厄姆有一个特殊的癖好，就是为各种各样的女人录影，这些女人在他的摄像机面前都毫不遮掩地谈论自己的性经验和其中细节。当格雷厄姆回到阔别多年的家乡时，他除了一辆汽车和这些录像带之外，一无所有。所以他只能暂时借住在同学约翰家。约翰是一名成功人士，他和妻子安的妹妹辛西娅一直都在偷情，对妻子总是爱理不理。安陪着格雷厄姆去找租住的房子时，两人在餐厅进行了一次关于性的长谈，安坦言自己并不怎么重视性生活，而格雷厄姆则道出了自己的秘密：他性无能。安偶然发现了格雷厄姆为各色女人拍的录像带，因丈夫冷淡而内心苦闷的她决定也来录影。
生存在现实社会中，道德、伦理、法律、教育等等多方面的限制使得大部分人的本能无意识处于被压抑的状态。而本片则从性本能，这一弗洛伊德认为的人的无意识欲望的核心出发，探讨了现代社会个体的本能无意识欲望的压抑状况以及其释放的途径。
片子里主要表现了四个人物：女主角安、安的丈夫约翰、安的妹妹辛西娅以及安丈夫以前的朋友格雷厄姆。四位主角展现了现实中不同的人对于无意识被压抑的状况所作出的不同反应。
片子一开头，安对于性的态度就给我留下了深刻的印象。“我从不热衷于做爱”，“做爱不是大事，我不怀念……”整部影片，安最大的特征就是总是排斥关于性的话题，总是极力地避免谈起性爱。而同时，在片中，其他人的问题也都围绕着“性”展开：安的丈夫约翰与安的妹妹辛西娅偷情，格雷厄姆是一个所谓的“性无能”者——在别人面前，在实际用途上，他通过录像带来达到性的高潮。
但随着片子的向下进行，我们发现，安并不是像她自己所说的那样对性没有兴趣，没有欲望。通过最后她与格雷厄姆的交流，我们知道她同样也有对性的欲望。她表面上的那种排斥表现透露的其实正是无意识在现实社会中最常见的一种处境——性本能、无意识欲望渴望表现、释放，却被自我极力地压抑。她越强调自己对性不感兴趣，无意识本能欲望越是在激烈的反抗。而安这种选择用自我去压抑，用自我去控制本能的冲动的方式，也正是现代社会中大多数人对于性本能的应对方法。
其实安可以说是片中四人里最正常的一个了。她的丈夫约翰以及妹妹辛西娅对于本能被压抑的困境就采取了另一种完全不同的方式。他们选择了在现实中解决释放无意识的压抑问题——背着安偷情。但是这种释放的方式是与现实的原则、现实的伦理道德冲突的，他们必须要解决这种冲突，于是，谎言出现了。因为需要释放性本能，因为想要减弱与现实的冲突，所以他们采用了谎言这个解决策略。通过不断地说谎、不断地隐瞒来试图解决冲突。但是，最后他们并没有成功。安发现了两人的关系。
而格雷厄姆，就更为特殊了。他其实也不是真正意义上的性无能，而只是选择了用影像来释放自己的无意识，释放自己的性本能欲望。“我花了九年的时间组织生命，为寻求生活的真实，避开谎言、欺骗。”要解决本能问题，不是压抑就是谎言，格雷厄姆为了避免现实生活中的谎言与不真实，只能选择用影像来释放自己的无意识。影片通过表现录像带能让人达到性高潮，明确指出了录像带作为一种影像方式能够代替现实，影像是可以让性欲望得到实现的通道，是人表达本能意识的方式。而电影第二符号学中也指出过——观影的主体与做梦的主体、银幕上的画面与梦境中的画面、观影的情境与做梦的情境都是十分相似的。电影是从欲望中产生的，影像的性质和梦的性质一样，都是无意识欲望的实现或表达。
影片的最后，格雷厄姆捣毁了摄影机和所有的录像带，脱离了影像，回到了现实，并与安走到了一起。导演似乎找到了一个完美的使性本能压抑在现实中得以释放的方式，安与格雷厄姆的结合使得性本能的释放既不需要谎言来隐瞒，也不需要压抑或者通过影像来释放。可是真正脱离影片来看这个现实社会，没有谎言，真的存在吗？其实在整个观念下，无意识被压抑的状况还是不可解决的。
代表影片之三——《黑天鹅》的符号意指系统
英文名：BlackSwan
导演：达伦·阿伦诺夫斯基
电影《黑天鹅》讲述了妮娜，一个单纯、沉静的芭蕾舞演员，如何突破自我，在芭蕾舞《天鹅湖》中担任领舞的故事。在影片故事结构上，创作者没有局限于生活真实的简单层面，大胆采用浪漫主义的表现手法，通过隐喻和象征表现女主角妮娜精神层面的真实。仔细分析该影片的视听语言，会被其中的符号意象吸引。
电影《黑天鹅》围绕女主人公妮娜展开，她要胜任剧团兼跳黑天鹅和白天鹅的领舞，就必须要摆脱内心的束缚，突破单纯、可爱的固有形象，展现黑天鹅的魅惑和性感。在影片中存在着庞杂的表意符号，这些抽象的概念在细节方面相互印证了主人公内心挣扎的必然性。在表现不同角色的性格方面，影片创作者将每个人放置到不同的色彩系统，使其具有鲜明的色彩属性。妮娜从始至终都是粉红的主题色，与之对应的是妮娜妈妈和莉莉，一直都是黑色着装出现，而托马斯作为平衡的力量则以灰色中间色调出现。创作者的用意不言自明，正是这样的色彩归属和色彩隐喻加强了人物之间的矛盾冲突，可爱、单纯的粉色和狂放、激情的黑色代表的是两种容易激发矛盾的事物，导演通过不同的色彩隐喻角色之间的性格，是一种极其自然又非常聪明的方式。以妮娜为例，电影创作者在表现她的生活环境时赋予了粉色属性，无论是其房间、玩偶还是衣服着装，无一例外都是粉色可爱路线。
妮娜需要的是释放自我。妮娜释放自我的过程和妮娜妈妈对她的控制是极其矛盾冲突的，它们是对立的两个方面，所以妮娜释放自我的主要障碍是如何从内心摆脱母亲的控制。妮娜出生在单亲家庭，她的生活起居从小全部由妈妈来负责，排除妮娜剧团对其领舞角色的要求，单纯从生活意义上来讲，妮娜是妈妈心中的“公主”，因此妮娜妈妈会将妮娜称为“sweetgirl”，在妈妈看来，她还是一个需要照顾的孩子，妮娜温顺、安静的性格也正是来源于此。但是，从另外的角度来看，妮娜在享受妈妈带来的安逸生活同时也失去了很多自我处理问题的机会，妮娜妈妈在全方位负责她生活的同时也形成了对妮娜的控制，虽然这种“控制——被控制”在双方看来都是自然和平常的，双方长久的此种关系，已经使得妮娜妈妈口中的“sweetgirl”从简单的人称呼唤变成了意识形态的灌输。从罗兰·巴特的“内涵意义”看来，它已经不仅仅是妈妈对女儿的肯定或者希望，而是成为一种意识形态层面上的呼唤。从宏观意义上分析，妮娜妈妈对于妮娜来说是一个精神上的统治者，但是妮娜本身并没有察觉这种被统治，直到有一天她在剧院扮演的角色需要释放自己的情感时才意识到。所以，妮娜要想有舞台上的突破，就必须摆脱妈妈在自己主体形象中的“神话”地位，后来妮娜自我意识逐渐建构的过程也是其和母亲关系逐渐恶化的过程。在演出的最后一夜，妮娜将妈妈的手用门撞伤，包括最后将母亲的手打掉跑向剧场，都是在寻求一种意象意义上的表达，是妮娜摆脱了母亲控制之后一种自我释放的隐喻映射。
然而，艺术上的需求，让她第一次开始面对自己——自己的灵魂、自己的肉身——欲望、嫉妒、暴力、叛逆……一直生活在童话王国里的妮娜，遭遇了前所未有的惶惑与痛，对于弱者身份的妮娜而言，黑天鹅的灵魂跑进她的身体里，让她的自我变得无比强悍，无人能伤害，是出于本能。影片最后，她登台表演黑天鹅，一口气做了25个挥鞭转，这既是舞剧《天鹅湖》的高潮，也是电影的高潮。这个镜头里，妮娜本性完全得以彻底释放，她“圣洁无瑕”的自己死了，“黑色诱惑”的自己却得以出生，黑色的羽毛长出了身体，羽翼渐丰，翅膀渐硬，她完成了“黑天鹅”的角色，也终于完成了自己。无论是妮娜的表演、化妆、音乐、特效的设计和使用、所表达的深意，都近乎完美。在这一镜头里，妮娜尽管“变黑”了，但却给我们呈现了前所未有的舒展，那一刻，似乎我们的压抑也得到了释放。
也许，每个人的心中都有一只黑天鹅。
